Le chant flamenco : un pilier fondamental

« Le cante ne s’entend pas, il se vit », a déclaré l’écrivain Fernando Quiñones. Nombreux ont essayé de le définir, mais même Antonio Mairena lui-même, reconnu comme l’un des plus grands chanteurs de l’histoire et un fervent étudiant du flamenco, a affirmé: « Nous ne croyons pas possible de définir le chant », rapporté dans le Guide du Flamenco de Luis López Ruiz.

Le flamenco, c’est l’expression d’émotions intenses: douleur et joie y atteignent leur paroxysme. Comme l’a exprimé le poète cordouan Ricardo Molina, il révèle les sentiments les plus profonds et les intuitions les plus radicales de l’homme.

Au XIXe siècle, les premières manifestations du proto-flamenco dont certains couplets sont encore chantés aujourd’hui, ont émergé principalement dans les contextes de travail tels que la forge, le champ et la mine. Le flamenco est par essence solitaire, avec le chanteur évoluant seul. L’accompagnement à la guitare, la danse et la mise en scène sont apparus bien plus tard. Le chant a été la graine à partir de laquelle s’est développé l’ensemble de l’art flamenco tel qu’on le connaît aujourd’hui, demeurant ainsi son pilier fondamental.

Types de chants flamenco

Parmi l’abondance de variétés de paroles, de thèmes et de mélodies qui caractérisent le flamenco, deux grands groupes se distinguent : le cante chico et le cante grande.

• Le cante chico plus léger et joyeux, englobe les palos les plus festifs tels que les alegrías, les bulerías et les tangos. Ils explorent les thèmes de l’amour, des aspirations vitales et des joies.
• Quant au cante grande, il est également désigné comme cante jondo. Parmi ses représentants figurent les seguiriyas, les soleás et les tonás, qui abordent des récits de souffrances profondes, d’angoisses et même de mort.

Les chants peuvent aussi être classés selon le rythme (binaire, ternaire ou de douze temps) ou selon leur origine géographique (Levante, Cadix et les Ports, Séville et Triana, etc.). Cependant, nous adopterons ici la classification du Guide du Flamenco de Luis López Ruiz, qui divise le chant en trois grands groupes de palos flamencos.

• Parmi les chants de base et leurs dérivés, on trouve les chants les plus primitifs tels que les tonás, le martinete, la carcelera ou la debla, qui sont chantés sans accompagnement et sans métrique définie, également appelés cantes libres.

Les tangos, le palo le plus chanté et connu du grand public, ainsi que les tanguillos et les tientos, représentent les palos joyeux chantés en tonalité majeure, tels que l’alegría, les cantiñas, la romera et les caracoles.

• Les fandangos et leurs dérivéscomprennent des fandangos locaux (de Málaga, de Huelva, d’Almería, d’Alosno…), les malagueñas, les granaínas et les medias granaínas, dont sont issus les chants appelés minero-levantinos : minera, cartagenera, taranta et taranto.
• Les chants flamencos d’ origine folklorique régionale ou hispano-américaineenglobent des palos très liés à leur lieu de naissance, tels que la rumba (Catalogne) et les sevillanas. On trouve également les chants connus sous le nom de « ida y vuelta », originaires d’Amérique latine, comme la guajira, la milonga, la vidalita et la colombienne.

Grands maîtres du chant flamenco

Ces chanteurs ont joué un rôle essentiel dans les deux siècles d’histoire du flamenco, contribuant à son évolution, son développement et sa diffusion. On raconte que Tío Luis el de la Juliana fut le premier chanteur de l’histoire, originaire de Jerez de la Frontera, mais son existence demeure incertaine. D’autres figures telles qu’El Planeta, El Fillo ou La Andonda, de Triana (Séville), l’un des foyers du flamenco, ont également marqué ses débuts. Cependant, le premier chanteur dont on a des traces est Silverio Franconetti, né et élevé à Séville au XIXe siècle, d’un père italien et d’une mère espagnole. Maître des seguiriyas, il a initié la professionnalisation du chant en le portant des tavernes aux cafés-concerts, étant « le premier à pressentir la transcendance du chant », selon le Guide du Flamenco.

Au milieu du XIXe siècle, à Madrid, le prestigieux prix Llave de Oro del Cantea été créé, remporté uniquement par cinq artistes tout au long de l’histoire : Tomás el Nitri, Manuel Vallejo, Antonio Mairena, Camarón et Fosforito. Au début du XXe siècle, don Antonio Chacón (qui a acquis un tel respect qu’il est toujours appelé « don ») mérite également d’être mentionné, car avec Antonio Mairena , il aspirait non seulement à être chanteur, mais aussi à être un érudit du flamenco. En 1922, le célèbre Concours de Grenade a eu lieu, remporté par El Tenazas de Morón et un autre maître du chant alors inconnu : Manolo Caracol.

Du côté des chanteuses, des figures telles que Pastora Pavón, connue sous le nom deLa Niña de los Peines, La Paquera de Jerez, La Perla de Cádiz ou Fernanda y Bernarda de Utrera ont laissé une marque indélébile dans l’histoire du flamenco. Les familles de chanteurs ont également joué un rôle crucial, avec pratiquement chaque génération donnant naissance à de nouveaux talents de haut niveau, comme les familles des Terremoto et des Sordera à Jerez de la Frontera.

La figure du « maître » revêt une importance cruciale dans cet art, car le respect pour la connaissance et le style des anciens est fondamental pour tout artiste débutant. Dans certains cas, l’admiration pour un chanteur est telle que la manière dont il interprète un palo lui vaut de donner son nom à ce dernier, comme la malagueña d’El Mellizo, une mélodie qu’il a inventée et qui a été largement adoptée par d’autres chanteurs et amateurs.

Le chant dans la danse

Enfin, il convient de distinguer entre le « cante alante » et le « cante atrás ». Le premier se réfère au chant en solitaire, tandis que le second implique de chanter en accompagnant la danse, « pour » le danseur (étant « derrière » celui-ci). Chaque lieu flamenco a tendance à privilégier un type de spectacle : dans les peñas, le « cante alante » est privilégié, avec un chanteur et un guitariste ; tandis que dans les tablaos, bien qu’il puisse y avoir du « cante alante » voire même un solo de guitare, la danse est le grand protagoniste. Lorsque les chanteurs et les guitaristes accompagnent la danse, ils suivent le rythme imposé par le danseur ou la danseuse. Si le danseur accélère le rythme dans son « zapateao », le chanteur accélère les palmas et le guitariste intensifie le toque. Dans les tablaos, l’importance du rythme est prédominante et selon le style de chaque tablao, il peut y avoir plus ou moins d’improvisation. Au Tablao de Carmen, nous mettons l’accent sur le rythme comme guide et nous valorisons l’harmonie entre les artistes à chaque représentation, chaque soir. Venez le découvrir avec nous !